Artillery News

¡Artillery celebra su segundo aniversario!

Con motivo del fin de semana de Gallery Weekend el próximo 21 de septiembre, Artillery Arte Emergente prepara la inauguración de su próximo exposición que se llevará a cabo en el Mercado San Genaro, ubicado en Mariano Escobedo #220, Ciudad de México. Celebrando su segundo aniversario, esta propuesta curatorial gira en torno a la evolución tanto de la galería como de los artistas participantes. 

 

La exposición presentada es una muestra del trabajo artístico inédito de los artistas que componen la galería.  Decía Goethe que "No se conocen las obras de arte cuando se ven acabadas; hay que verlas también en su proceso de elaboración". Esto es el trabajo en el que justamente se ha centrado el trabajo de las fundadoras de Artillery, en conocer de cerca a cada uno de los artistas, así como sus discursos artísticos, procesos creativos para finalmente plasmar la obra terminada

 

Al ser una galería de arte emergente, Artillery se enfoca en buscar nuevos medios alternativos, crear exposiciones itinerantes que acerquen al público a estas nuevas propuestas, para de esta manera integrar los nuevos conceptos del arte del siglo XXI en la sociedad actual. 

 

El recorrido de esta exposición, muestra un amplio panorama representativo de la evolución creativa de 22 artistas a lo largo de estos dos años, así como la presentación de 5 artistas nuevos. Los artistas participantes son: Wen Bandala, Carlos De la O, Roberto García, Julio Alba, Pavel Mora, Jaime Colín, Gabriel Garcilazo, María Laura Ise, María José Sesma, Manolo Garibay, Itzamna Reyes, Aglaé Cortés, Gabriela González, Carles, Ernesto Cortés, César Rangel, Benjamín Valdés, Antonio de la Rosa, Aidee De León, Eblem Santana, Mauricio Sáenz y Keef Winters, así como la presentación de los nuevos integrantes: Christian Núñez, María Portilla, Carlos Martínez, Facundo Gassa y el colectivo FERVOR.

¡Queremos agradecer a Bienal Comunicación por el diseño de nuestro cartel de aniversario!

¡Los esperamos para celebrar!

EXPOSICIÓN EBLEM SANTANA

Hablamos con Eblem Santana de su nueva exposición Cartografías de la Memoria y de lo que significó para el realizar un proyecto que se basa en una investigación histórica de gran importancia:


En la exposición Cartografías para la memoria, que se realizará en la galería La Celda contemporánea, ubicada en el interior de la Universidad del Claustro de Sor Juana, aproveché el valor histórico que tiene este sitio para la identidad nacional como plataforma de enunciación de una propuesta paralela a esta situación histórica. La obra suplanta visualmente los restos del suelo de la sala 2 de la galería, que contiene vestigios de la arquitectura colonial de lo qué fue parte del ex-convento de San Jerónimo, a partir de una instalación in-situ hecha base de 36 dibujos de suelos, basados en una investigación hemerohgráfica que abarca los años entre 1968 a 2017 y que recupera 36 eventos de resistencia de la sociedad civil frente a las leyes de Estado. El objetivo es sugerir una desarticulación de la historia como elemento determinante de la significación de identidad y devenir social.

 

Los esperamos para la inauguración el miercoles16 de agosto a las 19:00 hrs. en  la galería La Celda Contemporánea dentro del Claustro de Sor Juana.

La exposición consta de diversos dibujos de pisos donde ocurrieron eventos de importancia en la ciudad de México, la investigación es impresionante y los dibujos son instalados en el piso para poder tener la experiencia completa del proyecto.

La exposición continuará hasta el 15 de septiembre en un horario de lunes a sábado de 10:00 - 17:00 hrs.


 

 

SE VENDE ARTE FINO 3ª EDICIÓN

Artillery Arte Emergente forma parte del 7mo recorrido de la Ruta de Galerías. La exposición se llevará a cabo el sábado 27 de mayo 2017 de 11 a 16 horas en la Calle Gob. Rafael Rebollar, Col. San Miguel Chapultepec, CDMX. En esta exposición se presentarán obras en distintas técnicas de más de 10 artistas emergentes.

 

 

En esta ocasión el proyecto de llevar el arte a la calle, toma un nuevo giro, el ¨camión de frutas ambulante¨ se transforma en un ¨Cubo Blanco Ambulante¨. Esto con la idea de descontextualizar el cubo blanco como un espacio aislado para así llevarlo a las calles, representado por un camión blanco. El concepto de esta exposición es darle un giro humorístico en donde el cubo blanco sale de la galería y se integra a la calle.  Al llevar a cabo esta acción el cubo blanco se vuelve más accesible y menos intimidante, lo cual se demuestra no solo en la estética de la exposición, sino en la obra que se expone.

 

El término del ¨Cubo Blanco¨ surgió a finales de los años 70 como una forma innovadora de curaduría en el cuál el propósito principal era aislar del mundo a las obras de arte, ofrecer un espacio neutro y finalmente crear un ambiente puro para la contemplación de la obra que se presenta. Hoy en día se sigue usando este modelo en múltiples galerías y espacios de exposición para que el espectador pueda enfocarse en la experiencia estética sin ninguna distracción. Al seguir siendo una forma actual de exponer, ¨Se Vende Arte Fino¨ busca representarlo de manera sarcástica en donde el cubo blanco se encuentra inmerso en la calle con todo el ambiente que este puede ofrecer, lleno de gente y distracciones pero que al mismo tiempo crea una experiencia estética distinta para el espectador.

 

RECORDANDO "SE VENDE ARTE FINO"

Queríamos recordar algunos de los mejores momentos de las ediciones anteriores de "Se vende arte fino". Este proyecto es muy importante para nosotros ya que nos ayudó a demostrar el potencial de nuestra galería y estamos muy orgullosas de presentar la tercera edición este 27 de mayo de 2017. Lo que más nos interesa demostrar al hacer este proyecto es expresar un lado mas humorístico del mundo del arte y demostrar que una galería puede ser un espacio abierto a experimentación, dialogo y diversión.

¡No se pierdan nuestra tercera edición!

 

 

ENTREVISTA A NUESTRO EJÉRCITO DE ARTISTAS

Realizamos una serie de preguntas a nuestro artistas para que los podamos conocer más a fondo. Te invitamos a conocer más íntimamente a cada uno de ellos así como sus estudios.

JESU YÁÑEZ MORATIEL

 

5 eventos importantes de tu vida

- Mi primera bocanada de aire.

- Mi primera vez haciendo el amor.

- El día que se murió mi amiga Carlota.

- El momento en el que elegí mi propio destino laboral como artista.

- El último es un secreto.


¿En que consiste tu proceso como artista?

Te envío un pdf con mi statement y varias imágenes a las que puedes

hacerle caso omiso.


Explicanos un dia de trabajo

Hago una mudanza. Voy a empresas varias de materiales específicos así como

al supermercado para comprar cangrejos y un pulpo con el que ayer por la

noche pensé hacer una pieza. Como con mi marchante. Voy al estudio. Hago

pruebas con resinas, fumo en la espera del secado. Luego recojo hormigas

que hay en el campo de al lado del estudio. Recibo varias mordeduras de su

parte. Vuelvo a fumar. Las meto en un hormiguero creado específicamente

para ellas.Vuelvo a fumar. Vuelvo a casa. Envío un par de dossieres para un

par de iniciativas en las que participaré después de las vacaciones más que

merecidas de agosto. Contesto a estas preguntas. Ahora tengo que decidir si

salgo a tomar algo o me quedo viendo una peli. Dependiendo de esta decisión

me meteré en la cama pensando unas cosas o otras muy diferentes.

 

¿Que significa para ti contar con el apoyo de espacios alternativos como Artillery?

Es un cauce estupendo de promoción y visibilidad para mi trabajo. Este tipo

de iniciativas siempre vienen bien, sobre todo cuando se mueven por medios

como internet. Aunque me gustaría poder participar también de forma física,

es decir, mediante exposiciones e iniciativas, que es de la forma en la que

mi trabajo tiene más fuerza. Sólo espero que esta empresa vaya a más. Y así

lo parece.


¿Cómo te ves en 5 años, que quisieras lograr?

Pretendo ser el artista más reconocido de España. Y dentro de 10 años,

estar en el top 10 de artistas mundiales. Así que me veo trabajando mucho,

haciendo cosas muy grandes y con más soltura económica. Pretendo hacer un

proyecto que cambiará todos los paradigmas del arte ibérico, pero necesito

financiación. Así que bueno, ya se verá.

 

¡Artillery en Hotbook News!

Nos encanta contar con el apoyo de la prensa y esta entrevista fue especialmente importante. Al momento de pensar en la imagen que queríamos dar de la galería decidimos probar una sesión de fotos un poco diferente, con la ayuda de Pepe Molina, un excelente fotógrafo. La sesión tuvo lugar en el hotel Camino Real de Polanco, el cual cuenta con unas paredes hermosas de colores brillantes.

Después de escoger las fotografías correctas le pedimos a dos de nuestros artistas, Eblem Santana y Ernesto Cortés que intervinieran las fotografías, lo cual dio un resultado sorprendente. Esperamos que puedan disfrutar nuestra sesión de fotos, pueden leer todo sobre nuestra entrevista en la página de Hotbook ---- http://hotbook.com.mx/artillery-arte-emergente/

Materia y Plano, Los esperamos el 9 de febrero!

Materia y plano
Aidée de León e Isauro Huizar

 

*En esta exposición los artistas Aidée de León e Isauro Huizar indagan sobre la superficie pictórica, sus materiales y referentes

** 13 pinturas ocupan el espacio del primer templo anglicano en México

***La exposición se llevará a cabo del 9 al 11 de febrero de 2017  

La galería de arte on-line Artillery presenta una serie de obras realizadas por los artistas Aidée de León e Isauro Huizar. Cada uno de estos trabajos formulan indagaciones acerca de la superficie que constituye a la pintura, sus materiales, procesos y referentes. Así como en una novela, donde las historias de dos personajes corren al paralelo hasta coincidir en un momento, las líneas de investigación de estos dos artistas conviven en las naves laterales de la el primer templo de la Iglesia Anglicana establecida en 1895, para encontrarse al centro en un espacio que se niega a desvanecerse en el tiempo.

En particular, el trabajo de Aidée de León que se presenta en esta exposición, indaga sobre las posibilidades de la disolución de la materia y de su condición mutable. El recurso de la abstracción le permite explorar las ideas del budismo referentes al apego y a la impermanencia. Por su parte, Isauro Huizar revela una pesquisa sobre la expansión-contracción del plano pictórico, misma que logra a través de la revisión de la técnica “pliage” del artista húngaro Simon Hantaï. Huizar propone inquietudes sobre las superficies que trastocan la pintura, en un juego entre espacios ocupados por ésta y aquellas zonas que se resisten al pigmento.

Cada una de estas búsquedas revelan dos acercamientos a la pintura. Por un lado, la materia pictórica es la que afecta la superficie del lienzo, y por otra, es la manipulación del lienzo la que deja actuar al color. Aidée de León e Isauro Huizar trabajaron con el acompañamiento curatorial de Adriana Melchor.

 

Materia y plano es una exposición de Aidée de León e Isauro Huizar realizada con el acompañamiento curatorial de Adriana Melchor. Organizada por la galería Artillery, se presenta del 9 al 12 de febrero en Artículo 123 #134, col. Centro

Mayor información y entrevistas: info@artillery.mx

 

Isauro Huizar (Culiacán, Sinaloa, México. 1985) desarrolla su trabajo profesional en el diseño de interiores enfocado a espacios comerciales. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Estudió Arquitectura en la Universidad de Monterrey y cursó el programa educativo SOMA. Trabaja con diferentes medios y también realiza trabajo de sitio específico, en lugar de crear nuevos objetos, reordena y recontextualiza lo que ya existe. Dirige el proyecto de Muchas Cosas (muchascosas.org) que trata de difundir el pensamiento y las ideas de los artistas relacionadas con su visión y producción.

Aidee De León (1979, Cd. de México) Estudió la Maestría en Artes Visuales en la Facultad en Artes y Diseño, de la UNAM, cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la mencionada Institución, donde se hizo acreedora a la Medalla de Plata Gabino Barreda. Realizóel Máster Producción Artística e investigación, adaptada a la Unión Europea, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Ha sido becaria en el Programa Jóvenes Creadores, (2012-2013) y (2004-2005) FONCA. Seleccionada para formar parte del Archivo del Programa Bancomer-MACG Arte Actual. Residencia de Producción e Investigación en Kanazawa, Japón. Estancia de Investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, Residencia de colaboración para AICA-México, en el 40 Congreso AICA, Valoración crítica revisada, París, Francia. Estancia de Producción en Pintura, Fundación Rodríguez Amat, Centro de Arte Contemporáneo, Barcelona. Obtuvo la Beca del Programa de Alta Exigencia Académica de la UNAM, así como la Beca de Posgrado de la misma Institución. Gana el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana, por parte de La Tertulia Ilustrada de Madrid (2014).

Desde 1998 ha participado en numerosas muestras colectivas en México, Europa, Argentina y Asia. Su trabajo ha sido seleccionado y distinguido en certámenes de pintura como: el XXX Encuentro Nacional de Arte Joven (2010 y 2005 donde Gana Mención Honorífica), las ediciones I, II y IV de la Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán (2002, 2004 y 2008), la XVIII Bienal FEMSA (2007), Certamen Adolfo Prieto Caja Madrid (2006), XI Bienal Nacional de Dibujo y Estampa Diego Rivera (2004), la Tercera Bienal de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2001), Salón de Octubre Gran Premio Omnilife 2001, entre otras. Sus exposiciones más recientes son: Colección del grupo Pro Arte y Cultura de España, Castillo de Gmünd, Austria (2016), Colección Soledad, en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas (2016). De profesión: sus labores, en la Universidad Politécnica de Madrid. Igualdad es Poder, en la sala Adamo Boari en el Palacio de Bellas Artes (2014), y de manera individual recientemente: La transmutación de la materia, Lux Perpetua Art Centre, Mérida (2016). Sub-objetualidades en Deconstrucción, sala 1 de la Real Academia de San Carlos (2015). Sub-objetualidades, en Alcalá de Henares, Madrid (2014). Motley-Pleasure, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (2012).

Adriana Melchor Estudió la licenciatura en la Universidad Iberoamericana y es maestra por la Universidad Nacional Autónoma de México, ambos grados en Historia del Arte. Su trabajo investiga sobre la producción artística durante el período de posguerra, el arte contemporáneo y la historia de las exhibiciones. Es profesora de la Universidad del Claustro de Sor Juana y del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey. Como proyecto curatorial destaca la exposición Fonosistemas: hacia la portabilidad del sonido en Archivo, Diseño y Arquitectura (co-curada con Regina Pozo en 2012). Asimismo, para la exposición Progresión Modular de los artistas Quirarte+Ornelas, trabajó en el texto de sala que acompañó a la muestra en la Galería Libertad, recinto perteneciente al Gobierno del estado de Querétaro (2016). Ha colaborado para varias publicaciones dedicadas al arte contemporáneo y al diseño de entre las cuales destacan: Ediciones Transversales, Caín, La Tempestad, Código y Gastv.

 

Mapa de la exposición:

 

 

 

ENTREVISTA A NUESTRO EJÉRCITO DE ARTISTAS

Realizamos una serie de preguntas a nuestro artistas para que los podamos conocer más a fondo. Te invitamos a conocer más íntimamente a cada uno de ellos así como sus estudios.

WEN BANDALA

 

5 eventos importantes de tu vida
Dibujar diagramas de bandas de distribución era una tarea que mi papá le asignaba a parte de mi tiempo libre desde que tuve una edad confiable para realizar este archivo necesario para su trabajo. Se trata más de una acción (que hasta la fecha eventualmente realizo) que de un evento específico, dibujar diagramas para mí fue muy significativo a nivel personal y -revelador- en cuanto a mi interés y proceso artístico. Los diagramas de bandas de distribución se hacen para establecer guías de cómo y alrededor de qué partes se coloca la banda en cada motor, la cantidad de diagramas existentes es inmensa ya que es casi proporcional a la cantidad de modelos de automóviles que hay.

Elaborar un archivo de diagramas es de cierta manera una tarea basada en la repetición en la que la distinción de variantes mínimas de ubicación es fundamental. Aprendí sobre la importancia y sutileza de los cambios casi insignificantes, aprendí que pueden ser casi solemnes; también que rodear los espacios vacíos es una manera de representarles, de enmarcarlos y hacerlos -ser- o -existir-.

Mi estancia en taller con el maestro Kiyoto Ota. Aprendí la importancia de iniciar un proyecto con disciplina y plena conciencia de su razón de ser; sobre continuarlo con insistencia y firmeza hasta concluir; y que si bien la intuición dicta razones, buena parte de la construcción de un proyecto está en cuestionar y analizar repetidamente lo que se hace con obstinación a fin de solidificar el concepto que lo dirige de mejor manera o reconocer cuándo desecharlo.

Mi integración a Preludio a 110 o 220. Preludio para mi es ser parte de un equipo de trabajo muy sólido, afable con el trabajo mutuo. Convivir y laborar con artistas en ocasiones concede cierto grado de sencillez a las múltiples labores de un artista emergente, en muchos otros casos no es posible trabajar con artistas sin que exista incluso competencia desleal de por medio. Trabajar con Roberto García Hernández y Carlos De La O, artistas por quienes profeso gran respeto y admiración, ha sido una experiencia de retroalimentación honesta y ferviente apoyo.

Le Carré Vert, mi primer exposición individual. Lo considero un evento importante sobretodo en el sentido de conclusión. Para mí el montaje de un proyecto extenso (en tiempo y labor) posibilita entender el trabajo realizado como un circuito que se ha completado, y esto al mismo tiempo limita de cierta manera la tentación de viciar mediante la prolongación innecesaria un proceso que se desarrolló de manera natural e íntegra.

Limpiar y ordenar. A nivel personal y laboral, incluyendo mi labor como artista, para mi es un hábito de inicio. No se trata de un evento, pero su gran importancia y la razón por la que decidí mencionarlo radica en que es una constante fundamental en mi método de trabajo.


¿En que consiste tu proceso como artista?
Mi proceso se basa fundamentalmente en construir un archivo extenso de aquello con lo que me interesa trabajar y exponerlo a una serie de filtros que eventualmente me permiten primero depurar y luego con la nueva selección efectuar extracciones y generar huecos en las imágenes y formas que me ocupan. Estos filtros se dirigen por intereses formales de composición y color que si bien pueden parecer elementales considero muy concretos, y por normas establecidas por mí que obedecen otro tipo
de pulsión, interés o incluso algún tipo de capricho. No percibo la extracción ni el vacío en mi trabajo como una manera de seccionar o mutilar mis fuentes, sino como una manera de enmarcar y destacar lo que me parece excepcional en ellas. Otra parte primordial en mi proceso es la revisión constante de lo que hago, podría decir que es un repaso continuo casi obsesivo.


Explicanos un dia de trabajo
Depende de en qué punto me encuentre. En la parte inicial de mis proyectos pueden pasar semanas en las que mi tiempo se invierte en reunir elementos (imágenes, textos, manuales, etc) que me ayudan a conformar un archivo sin un filtro más que el inmediato de interés e intuición. Una vez que mi archivo es basto, mis días de trabajo son continuas revisiones de lo reunido, esto me ayuda tanto a depurar como a definir con más precisión lo que me interesa. Concluidas mis revisiones hasta este punto,
comienzo a dibujar, imprimir, intervenir o lo que la pieza precise, esto procurando mantener producción constante. Al final de cada pieza mis días se invierten en nuevas revisiones con el fin de desechar aquellas partes producidas que no cumplen con el rigor que la pieza demanda.

 

¿Que significa para ti contar con el apoyo de espacios alternativos como Artillery?
Es una sociedad necesaria que en cierto modo facilita al artista su trabajo. Ser un artista emergente implica realizar una serie de tareas que van desde realizar registros de obra hasta presupuestos de producción y estrategias de difusión, el tiempo se divide entre muchas otras actividades que eventualmente restan a lo invertido en producción de obra. Plataformas como Artillery favorecen la distribución del tiempo entre el artista y su trabajo.


¿Cómo te ves en 5 años, que quisieras lograr?
Espero seguir trabajando sin haber encontrado una fórmula para hacerlo.

 

 

MORFHOSIS, la relación entre arte y diseño

¡Gracias a todas las personas que asistieron a la inauguración y nos apoyaron! Especialmente a Ploka 8.7, nuestro curador Félix Feria, Tequila 1800 y todos los artistas por creer siempre en nuestra misión de promover el arte emergente, fue un éxito el evento.Recuerden que la exposición continuará abierta hasta el 21 de octubre, de lunes a viernes de 11:00 - 17:00 hrs en Alvaro Obregon 154, Int. 1-C, Col. Roma. 
Les compartimos el texto curatorial de la exposición:

Los cambios visibles en el mundo globalizado generan hoy en día la necesidad de una nueva concepción sobre el significado del arte, obligando a una resignificación del senti- do de contemplación y resignificando el sentido de lo establecido; por tal motivo, en la búsqueda de una definición más cercana a las paradojas del arte actual, hemos entendi- do que no hay arte si no se experimenta, primero, un placer muy físico, muy sensual entre el espacio y la materia, y segundo, que el arte ha producido un conjunto hetero- géneo de estrategias dirigidas a desplazar los modos dominantes de la estética y su pro- ducción —como si de una mutación biológica se tratase—, produciendo una transforma- ción vertiginosa en el campo, y, revolucionando los procesos de creación, los cuales han obligado al arte ha continuar empujando sus propios límites, adoptado cada vez más dis- ciplinas; influyendo, inspirando y adaptando todas las expresiones creativas. Arquitectu- ra, diseño, moda y tecnología se convierten hoy en el lenguaje común del arte actual y de sujetos que cruzan un océano en el tiempo y el espacio para incorporar cada vez más disciplinas dentro de la estética contemporánea. De tal manera que la ruptura de la ló- gica de pensamiento de la mórfosis trasciende en su concepto como algo no exclusivo a lo biológico, sino como un fenómeno tangible dentro de nuevas realidades, sobre todo desde la conciencia de que ya no sirven los compartimentos estancos respecto al arte, sino que éste se debe entender entre lo plural y lo híbrido, lo cual tiene que ver con la forma, el espacio y la materia. MORFHOSIS surge como una exposición colectiva que pretende ser un reflejo de los contextos físicos y reflexivos derivados de una transmutación visible entre arte y el di- seño; donde el espacio, las formas, lo natural y lo geométrico dialogan entre sí. Piezas de Keef Winter, Jaime Colin, Eblem Santana, Gabriel Garcilazo, Daniela Bojórquez y Mi- nerva Ayon se fusionan en una experiencia que conduce a nuevas formas de pensar el arte, de tal manera, y con un sentido pragmático de la materialidad, MORFHOSIS se suma a la emoción de los espacios de participación abierta, lo que da testimonio de una buena comprensión de los entornos creativos que emergen en la ciudad.

 

Félix Feria

 

ENTREVISTA CON NUESTRO EJÉRCITO DE ARTISTAS

Realizamos una serie de preguntas a nuestro artistas para que los podamos conocer más a fondo. Te invitamos a conocer más íntimamente a cada uno de ellos así como sus estudios.

ÁNGELA LEYVA

 

- ¿En qué consiste tu proceso como artista?

Mi obra se compone de una serie de piezas  que tiene como resultado retratos a medio pintar, borrosos, que denotan un proceso inacabado que apela a lo endeble de la memoria. Las imágenes oscilan en mitades, en lo borroso y en la duda, ya que nunca se tiene certeza de un evento en sí. Pretendo evidenciar los rostros escindidos de un relato cualquiera, plasmarlos en un lienzo y dejar algo parecido a un rostro que apela a la sensación de un recuerdo.

Desde 2010 he tenido la necesidad de explorar las historias afectivas de estas personas, su manera de relacionarse socialmente, en el ambiente laboral, amorosamente y entre amistades. Estas investigaciones las he utilizado como material para la realización de mis piezas.

- Explícanos un día de trabajo

Tengo un taller que comparto con otro artista, así que cuando llego veo los avances de sus piezas y también veo los de las mías. Limpio el espacio para empezar a trabajar y acomodo mis materiales. Por lo general veo todas las piezas juntas y comienzo a buscar los puntos fuertes y débiles de cada una, de pronto elijo alguna; la que siento menos fuerte y comienzo a trabajar sobre ella. Trabajo series así que trato de que una pieza no se desconecte de la otra, eso me da oportunidad de trabajar varios cuadros a la vez, obviamente cuidando que cada uno tenga sus particularidades. Al finalizar el día en el taller, intento revisar algunas imágenes que me interesan, referencias de otros pintores o bien imágenes que encuentro relacionadas con la serie que este trabajando en el momento y checo elementos que me puedan servir como puntos de apoyo o de contraste.

- ¿Qué significa para ti contar con el apoyo de espacios alternativos como Artillery?

Significa tener más tiempo para producir y que esa producción encuentre salida de venta y exposición en estos espacios.

- ¿Cómo te ves en 5 años, que quisieras lograr? 

 Produciendo y teniendo un mercado estable para mi obra